Otras Artes

El arte del cubismo

2009-04-15T15:03:00.000-07:00

El cubismo
Con gran acierto, Daniel-Henry Kahnweiler, a partir de 1915 en su célebre Der Weg zum Kubismus, publicado en 1920, situó el nacimiento del cubismo en la parte derecha del gran cuadro que Picasso realizó durante el invierno de 1906 titulado: Les Demoiselles d´Avignon. De hecho el cubismo comenzó esencialmente por el estudio del volumen o, con mayor precisión, por el estudio de nuevos medios, decididamente distintos de los procedimientos clásicos o tradicionales, de proporcionar el efecto del volumen sobre una superficie plana. Ahora bien, es indiscutiblemente Picasso quien, por la manera de modelar los dos desnudos de la derecha de esta obra, fue el primero en encontrar una solución a este problema que, tal como luego se comprendió con mayor claridad, constituía la primordial dificultad planteada a su generación.

Les Demoiselles d´Avignon

autor: Picasso

Desde el punto de vista formal puede considerarse que el cubismo, con sus nuevas propuestas contra la perspectiva clásica, representa el movimiento pictórico más revolucionario del siglo XX. Esta obra fué pintada en 1915, cuando para evitar un arte abstracto, a causa de la de la fragmentación geométrica, Picasso creó el llamado cubismo sintético.

Hombre con pipa

autor: Picasso

PABLO RICARDO VACAZUR

2008-09-27T03:18:00.000-07:00

Exelente y productivo artista plástico argentino.

Biografía

Buscaré en estas líneas explicar quien soy, o por lo menos escribiré lo suficiente para que le sea posible bosetar una imagen, una pasión, un sueño.
Comencé mi existencia, en la ciudad de Formosa (Arg), donde pasé mis mejores años, no tengo la memoria exacta, para recordar ese primer momento en que surgió esta necesidad de ser un instrumento de Arte. Debo aclararles que no me definiría como artista, si no mas bien, un facilitador de visiones, el arte es arte por sí mismo.
Ya en mis primeros años escolares, disfrutaba haciendo caricaturas de los docentes y compañeros, el crédito o critica que recibía en ese entonces alimentaba cierta necesidad de reconocimiento y me esforzaba por mejorar todo el tiempo.
Así mas tarde, recorrí diferentes caminos y lugares, buscando encontrarme, como bohemio, si bien nací y vivo en un lugar determinado, me considero del mundo, mi casa es el planeta tierra y mi lugar es el sitio en donde esté.
Como les conté antes, evolucione con el correr de los años en la realizacion de retratos rápidos, así me gané la vida en cualquier lugar que me haya tocado estar, he visto muchos rostros, muchas tristezas, esperanzas, injusticias; en fin en convivido con diversas situaciones que me enseñaron a ver un poco mas allá de mi nariz.
Siempre disfruté compartir, mis maneras de ver las cosas, mis apreciaciones de este mundo que nos rodea, nuestros miedos, nuestros amores, nuestros sueños o simplemente esos brotes de creatividad, en que ni vos mismo sabés donde se encuentra el final, cuando de sientes invadido por ese deseo oculto, que te impulsa a conjugar sueños en una danza de color entre el lienzo y el pincel.
Asi deambule duarante unos años, para volver a mi punto de partida, sin duda hoy con casi 25 años creo haber vivido muchas circunstancias, he estado muy cerca de la muerte, por eso trato de vivir cada día como si fuera el último, decir te amo todas las veces que puedas.
Hoy estoy casado con Laura, la mujer que amo , tengo un niño, Ramiro, que me sorprende día tras día y tengo en brazos a la mas bella de mis obras, Dannah Nerea, mi niña preciosa. Ellos son ahora mi pricipio y final, ahora mi historia se escribe por ellos.
Bueno, ese soy yo

Fuente: artelista.com

Algunos de sus trabajos

Deliriumtremend

dibujo

Nostalgias de imsomnio II

pintura

fuga cerebral

dibujo

enigmas de una locura

dibujo

pensarte

dibujo

vejez

dibujo

El pombero

pintura

Una Niñez

pintura

pensamientos incompletos

dibujo

jugando entre sueños futuros

pintura

avandonandoelcuerpo

dibujo

El Che

pintura

sueños atrapados en un vientre

pintura

marioneta laboral

pintura

http://pablovkzr.artelista.com

Diez consejos para Mejorar su Fotografía

2008-08-01T16:16:00.000-07:00

Escrito por: Administración de artículo.org
Para aquellos a los que no les guste mucho leer, aquí tienen mis “Diez Consejos”. La mayoría de ellos aparecen en otro sitio, en las lecciones. Pero aquí aparecen todos juntos.
1. Selección
Escoja solamente las mejores imágenes para mostrar a otros y deje las otras en el cajón. Enseñar todas las fotos que haya hecho diluye el efecto de las mejores fotos y se hace muy aburrido. Puede que quiera mostrar veinte fotos del pequeño Johnny en el parque porque todas son bastante buenas y usted no puede decidir cuales son las mejores pero, confíe en mí, mejorará tomando esa decisión y enseñando sólo las buenas.- vaya a Selección.
2. Girar la cámara
Al principio parece difícil poner la cámara de lado, pero merece la pena acostumbrarse. Si la forma del objeto, persona o edificio, cabe en un rectángulo vertical, se desperdicia demasiado espacio en la foto si se hace un plano apaisado. Usted ha pagado por todos esos millones de píxeles, no los malgaste.- vaya a Recorte.
3. Enmarcado
Una de las formas más fáciles de mejorar su fotografía es prestando atención al enmarcado. Mire a las esquinas del visor para ver qué hay. ¿Necesita todo ese fondo? ¿Puede acercarse al objeto o utilizar el zoom?- vaya a Recorte.
4. La dirección de la iluminación
La fotografía se trata de luz, la dirección de la luz sobre el objeto es lo más importante, debe mirar al objeto con cuidado y ver como caen las sombras.Si puede escoger la hora del día para tirar sus fotos, inténtelo cuando el sol está bajo, o por la mañana temprano o al atardecer. Tomar fotos de gente con el sol demasiado alto, puede significar que a los ojos del sujeto les dé la sombra y/o entrecerrará los ojos con la luz fuerte, algo que junto a lo anterior hace parecer horrible. Un bonito efecto secundario de usar la luz del alba o del crepúsculo es que el color de la luz es más cálido, el rojo y el amarillo son más fuertes lo cual da un efecto más agradable.Si está fotografiando en la luz solar, intente posicionarse para que el sol de en el sujeto desde el lado, esto le dará una bonita “pose” y ayudará a crear un efecto 3D a la foto.La luz del sol detrás del sujeto puede dar un efecto de oscuridad muy agradable pero tenga cuidado de no tener reflejos en la lente, algo que puede degradar el contraste de la imagen.- vaya a Luz solar.
5. La dirección de la iluminación (2)
El peor tipo de iluminación es el de los pequeños flashes incorporados en las cámaras modernas. No sólo le da a sus sujetos los temibles ojos rojos, sino que también pone todas las caras como puntos sin forma y sin sombra. Utilícelo sólo en una urgencia, cuando no hay otra opción.
6. El flash interior
Cuando tenga que usar el flash interior, mantenga los sujetos lejos de cualquier pared, sobre todo las de color claro, y si es posible, evite esa fea sombra que aparece como contorno. Cosa que no aparecería en un fondo oscuro.
7. Exposición
Utilizar la auto exposición en su propio beneficio.
Si tiene una cámara moderna, normalmente el sistema de enfoque por defecto está centrado, lo que significa que, aunque hace una lectura general de la escena, presta más atención a lo que está en el medio del marco. Lo que es bueno para nosotros. La otra cosa buena es que hace esta lectura cuando “se pulsa por primera vez” en el botón para hacer la foto. Cuando lleve pulsado el botón por la mitad y oiga un pitido, no solamente está ajustado el objetivo (en una cámara de auto objetivo) sino que la lectura de la foto está tomada y la velocidad de apertura y cierre también está ajustada. Así que, si su punto de mayor interés no está en el centro del marco, es bueno ponerlo ahí temporalmente mientras ajusta el objetivo y hace una lectura de la luz, luego mueva la cámara al mismo tiempo que tiene sostenido el botón a mitad de camino y componga la foto de la manera que quiera. Un uso común de esta técnica sucede cuando toma una instantánea cercana de dos personas y hay espacio entre sus cabezas, si no tiene cuidado la cámara se concentrará en la pared o los árboles de detrás. Si el fondo es muy oscuro o muy claro la exposición se podrá ver alterada y mostrar caras demasiado oscuras o demasiado claras.- vaya a Exposición.
8. Velocidades del cierre
La velocidad del cierre es importante cuando aparecen objetos que se mueve, es bueno ajustar la cámara al modo de “Prioridad de velocidad de cierre”. Esto pasa cuando usted elige la velocidad de cierre y la cámara elige la apertura apropiada a la lectura de la luz.- vaya a Velocidades de cierre y aperturas.
9. Aperturas
Si la profundidad de campo es importante para cualquiera de los dos asegúrese de que todo está enfocado o quite algo del enfoque, seleccione el modo “Prioridad de apertura” de su cámara. En este modo usted selecciona la apertura y la cámara selecciona la velocidad del cierre dependiendo de la luz disponible.- vaya a Velocidades de cierre y aperturas.
10. Filtros de densidad neutral
Si está tirando fotos bajo luz brillante y quiere restringir la profundidad de campo, use un filtro de densidad neutral delante de la lente para reducir la luz que entra en la misma. Están disponibles en densidades distintas, 2x, 4x, 8x etc. Cada uno cortando la luz por la mitad, por un cuarto, por un octavo, etc. En circunstancias extremas puede poner un par de ellos juntos. Aunque son filtros de densidad neutral y no debería crear efecto alguno sobre el equilibrio del color, si usa dos o más juntos podría necesitar corregir el color a la hora de imprimir.- vaya a Velocidades de cierre y aperturas.
Geoff Lawrence ha sido un fotógrafo profesional por muchos años, ahora tiene una pagina web http://www.geofflawrence.com/esp que ofrece avisos a gente quien quiere mejorar su fotografía.
Fuente del artículo http://www.articulo.org/autores_perfil.php?autor=1

Cómo fotografiar un arcoíris

2008-03-02T12:49:00.000-08:00

Los arcoíris son capaces de que detener cualquier cosa que estemos haciendo. Durante un breve lapso de tiempo nos hace disfrutar espectáculo maravilloso que nos regala la naturaleza. Cuando tengas la oportunidad de ver uno, prepara tu cámara fotográfica para retratar su esplendor.
Primero encuentra un arcoíris. Quizá es la parte más difícil de todo el proceso, todo depende de las condiciones climáticas. Cuando la luz solar incide sobre las gotas de lluvia, éstas se encargan de dispersarla en todas direcciones, pero en algunas mucho más que en otras. Los rayos del Sol involucrados con la formación del arco iris salen de las gotas de lluvia con un ángulo de aproximadamente 138 grados respecto de la dirección que llevaban antes de entrar en ellas. Si la luz saliera a 180 grados, entonces regresaría por donde vino. Como el ángulo de salida es de sólo 138 grados, la luz no se refleja exactamente hacia su origen. Esto hace posible que el arco iris sea visible para nosotros, que no solemos encontramos exactamente entre el Sol y la lluvia. De manera que siempre, si nos colocamos de frente a un arco iris, el Sol estará detrás de nosotros. Aunque también es posible fabricar uno con él aspersor o con una fuente.
Fondos espectaculares. La naturaleza transparente del arcoíris lo hace un objeto difícil de separar del fondo, de ser posible, elige fondos obscuros; como nubes que no sean blancas o montañas.
Composición. Aunque el arcoíris es un objeto bello en si mismo, lo que lo rodea en la foto es lo que lo hará diferente. Al ser un objeto inmóvil en, tienes el tiempo suficiente de posicionar el arcoíris en algunos de los puntos que se cruzan en la regla de los tercios.
Recuerda los puntos. La parte en la que el arcoíris toca el suelo suele ser uno de los puntos de mayor interés, procura hacer varias tomas desde diferentes posiciones; experimenta con diferentes sujetos.
Panorámicas. En caso de que no cuentes con un lente que capte de una sola toma todo el arcoíris, realiza varias fotos traslapando cada una en un 25 %, podrás unirlas posteriormente en el ordenador para crear una única imagen.
Estorbantes. Así como el fondo es importante, lo que se interponga entre tu cámara y el arcoíris puede distraer la atención y estropear la toma; por supuesto que no es regla a seguir siempre ya que en algunas ocasiones se puede encontrar algún objeto que le sirva de ayuda a la composición.
Azul, pintado de azul. Dependiendo de la intensidad de los colores, te puedes topar con que los colores luzcan alterados. Puedes jugar con las opciones de tu cámara cambiando el origen de la fuente de luz, y probar cual luce mejor.
El siempre fiel trípode. A pesar de que el arcoíris en un objetivo inmóvil, las condiciones de luz escasa en las que se presenta el arcoíris puede ocasionar distorsiones, para evitarlo utiliza un trípode. Si no dispones de uno (cosa que debes corregir) puedes utilizar cualquier superficie que se ajuste a la toma o también la muy útil “bolsa de frijoles”.
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http://www.pulsodigital.blogspot.comauthor: Francisco Hernandez # via: bligter.com

Digitaliza las obras de arte y los documentos de la escuela

2008-03-02T11:42:00.001-08:00

De vez en cuando me topo en la casa de mis padres con fotos que estaban perdidas y con trabajos escolares de cuando yo estaba en el kínder o en la primaria, mi madre se daba a la tarea de guardarlos y organizarlos en folders por ciclo escolar. Por supuesto que alguno de esos preciados recuerdos se perdió o se fue directo al cubo de la basura y se ha perdido para siempre.

Para los niños es muy importante que apreciemos sus trabajos; les eleva la autoestima y los impulsa a hacer más y mejores. Si queremos llevarnos una copia de estos documentos al trabajo o si deseas presumirlo en la galería del refrigerador, una excelente opción es digitalizarlo y colocar una reproducción en el sitio de honor y el original se puede almacenar en un lugar seguro.

También puedes digitalizar los dibujos rupestres que realizan los nenes en las paredes de la casa. Toma una foto antes de tallar, limpiar y volver a pintar esa pared; no te enojes, total y en algunos años te va a dar risa.

Almacena aquellos exámenes y ensayos que realiza tu retoño durante el ciclo escolar, haz varias copias de seguridad y deshazte del original para no tener papeles acumulados innecesariamente. Ocupa menos espacio un disco que muchos documentos. Con la cantidad de espacio gratis en Internet para almacenar documentos es incluso mejor para la limpieza del hogar tener esas copias en línea.

Una vez que has organizado esos papeles, dedícales un momento para colocarles alguna descripción (al archivo digital, no al original), con ello facilitaras reconocer de qué se trata el dibujo para los espectadores del futuro.

Para digitalizar papeles tienes dos alternativas, el scanner de cama plana o la cámara digital. Para la segunda es necesario montarla en una trípode o en una base estable para que la imagen no aparezca borrosa. Además de que tienes que usar un poco de zoom para evitar el efecto de esquinas redondeadas (haz la prueba y notaras la diferencia).

Una vez que has reunido una cantidad considerable de documentos, haz al menos tres copias en discos, una para almacenar en casa, otra en casa de tus suegros y una más en la oficina, de este modo si algo le sucede a uno de los tantos podrás recuperarlo fácilmente. También lo puedes hacer en tu cuenta de correo electrónico o bien, puedes pagar por que las cuiden por 30 o 90 años en algún servicio especializado.

En caso de usar el escáner, procura que la imagen sea capturada en al menos 300 puntos por pulgada y en formato TIFF, aunque como resultado te quedará un archivo muy grande y aunque no puedas guardar tantos como en formato JPG, guardarlo en este formato te da la oportunidad de obtener reproducciones fieles en caso de ser necesario.

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La(s)s foto(s) y el texto se encuentran bajo una licencia Creative Commons.
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LANZAMIENTO DE UN PORTAL PARA ARTISTAS

2008-03-02T10:47:00.000-08:00

Lanzamiento de un portal para que todos los escritores y artistas puedan publicar su trabajo
Se ha creado el portal www.tunovela.es punto de unión entre autores y usuarios, ofreciendo todo el contenido gratuitamente.
Lanzado por Redpyme Mediterráneo S.L. y ubicado en http://www.tunovela.es/, se trata de un portal para escritores y artistas, dedicado a publicar las obras de los artistas, y a difundir el arte.
TuNovela.es resalta por su interfaz original y claro, presentando la información de forma ordenada e intuitiva, que permite a los usuarios encontrar rápidamente todo aquello que buscan. El portal ha sido concebido como un instrumento de trabajo para escritores o artistas, profesionales o noveles y para todas aquellas personas que disfrutan de un libro, un guión, un cuento, un cuadro, un cómic, etc.
Su contenido está catalogado en dos grandes secciones:
"Autores" área donde una vez registrado como autor pueden enviar su obra, aportando a los artistas 3 aspectos esenciales, que hacen muy atractiva su oferta:
1º Todos los derechos de propiedad intelectual quedan reservados para el autor. (El autor realiza una cesión de su obra sin exclusividad)
2º Cobrando por el trabajo realizado.
3º Sin censuras. No evalúan el trabajo presentado. Dejan este examen a los usuarios que comentaran y votaran la obra.
“Usuarios” área donde una vez registrado como usuario tendrá acceso gratuito a todas las secciones de la Web, pudiendo leer todo su contenido. Novelas, Tutoriales, Cómic, Cuentos, Poesía, Opinión, etc.
También ponen a disposición de autores y usuarios diversos foros literarios donde intercambiar opiniones.
Juan Carlos informacion@tunovela.es

"EL ARTE DE VIVIR"

2008-02-28T08:53:00.000-08:00

"El arte de vivir"
Por Simón Espinosa Cordero
Escrito por cuatro profesores de la Escuela de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador, El arte de vivir con sentido es un libro útil para consejeros espirituales, estudiantes de filosofía y pedagogía, y todos quienes sientan interés en las perspectivas de mitigar las dolencias del alma mediante el uso de la razón y el ejercicio de la filosofía práctica. Esta publicación de noviembre de 2007 va por la línea del libro ¡Más Platón y menos Prozac! (1999), de Lou Marinoff, un filósofo canadiense profesor en el City College de Nueva York. Samuel Guerra Bravo, Luis Chacón Padilla, Alfonso Montalvo Zumárraga y Marcelo Villacís Carrascal no son meros adaptadores del libro de Marinoff y de uno de los métodos de Consultoría Filosófica por él perfeccionado y difundido. No he tenido todavía el gusto de conocer a los profesores Montalvo y Villacís. Conozco bien al riobambeño Guerra desde hace 30 años y sé de su buena formación filosófica general y de su apasionado interés por la filosofía latinoamericana. Más aún: él practica lo que expone en su libro, pues abandonó el vivir con la mediana comodidad que dan varias décadas de enseñanza universitaria y comercio y escogió la menor comodidad de vivir junto a la gente de un barrio antiguo y popular, en algunos sentidos más expuesta a ciertas dolencias del alma. Hay, pues, en él, autenticidad. Luis Chacón, nacido en Gualaceo, el pueblo más antiguo de la provincia del Azuay (1540), es una cabeza de alto vuelo bien aterrizada. Lo conozco como persona creativa, amigo de investigar la validez de sus ideas poniéndolas en práctica metódicamente controlada. Personas de tal calibre no suelen ser meros copistas.Confirma esta apreciación, el subtítulo del libro: Manual de consultoría filosófica latinoamericana. La originalidad de la obra radica precisamente aquí, pero no solo aquí. Los autores siguen la tesis del profesor Arturo Roig, un argentino que, por varios años, estudió el pensamiento ecuatoriano y quien, con otros filósofos latinoamericanos, sostiene la hipótesis de que la cultura en general está colonizada por el poder de los dueños del mundo y, entre nosotros, por la conquista y colonización de España, de Europa y los Estados Unidos. Tesis política pero no ultra, sino sanamente filosófica: -no podemos ver con propios ojos nuestra propia realidad individual y social, ya que estamos condicionados por conductas ancestrales de esclavitud cultural. Sea esto como fuere, los autores enumeran una lista de varias dolencias del alma latinoamericana y, específicamente, ecuatoriana, que vuelven la vida infeliz y sin sentido. El libro no es un recetario, sino una variada argumentación para exponer la solidez académica de la Consultoría Filosófica y el carácter necesariamente político y público de la Consultoría Filosófica latinoamericana. De modo crítico, valora lo mejor de las tradiciones sapienciales de Asia, Occidente y América precolombina. Informa, además, sobre diversos métodos de consultoría, regulaciones éticas para el ejercicio de ella y dónde puede formarse el profesional. Un libro académico y práctico sobre el consuelo, la fuerza y la necesidad de la Consultoría Filosófica.E-mail: simeco@hoy.com.ec

CUBISMO de JUAN GRIS

2008-02-27T12:56:00.000-08:00

Tablero de ajedrez (Institute ofArt, Chicago), pintado en 1915 por Juan Gris (1887-1927),
maestro del cubismo "eidético" o sintético, que trató de expresar la forma del modo más simple:
insertándola en una composición geométrica de manera que los volúmenes resulten casi recortados.
Esta tela presenta una disociación de línea y color; las intersecciones de ambos no dibujan una forma
determinada, sino que sugieren otras posibles. La densa silueta de los objetos proyecta los volúmenes
hacia arriba como en relieve. La fusión de volumen y plano, de línea y color, de primer y último
términos crea una dimensión plástica que va más allá de los objetos representados, infundiéndoles
un carácter eminentemente poético. Por ello se ha llamado a Juan Gris, el poeta de la forma.

EL DADAISMO, movimiento antiartístico que al final se tradujo en arte.

2007-12-09T03:24:00.000-08:00

El dadaísmo nace durante la primera guerra mundial como un movimiento antiartístico, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Está contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos y la imperfección.
Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desechos.
El movimiento dada nació en Zurich en 1916. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa. Allí llegaron artistas del expresionismo alemán,del futurismo italiano y del cubismo francés. El dadaísmo no es un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.

FOTOGRAFIA abstracta

2007-12-08T14:34:00.000-08:00

Trabajo realizado por Mario Maidá

ARTE fotográfico

2007-12-08T13:56:00.000-08:00

Gloxinias de noche

autora: Carolina Meyer

El Padre del Impresionismo.

2007-11-29T15:59:00.000-08:00

Jean-Baptiste Camille Corot paisajista francés 1796 – 1875.
Fue el primer impresionista, de él se influenciaron: Monet, Renoir, Berthe Morisot y Camille Pissarro, aunque nunca se unió al grupo.
Corot aunó la herencia clásica y romántica en el paisaje, sumando a la solidez compositiva de la ejecución al aire libre, la paleta clara y el sentido de lo fragmentario. Sin él, quizás no hubiera sido posible el valor espacial y constructivo del impresionismo.

El Arte del Surrealismo.

2007-11-29T14:27:00.000-08:00

El surrealismo no se inicia con la pintura, nace de la pluma del escritor André Bretón en 1924, con el texto del “Manifesté du Surrealismo”, fue así que se inició un movimiento artístico, que se enlazaba con el movimiento antiarte dadaísta, pero el surrealismo a su vez se amparaba en las posibilidades expresivas del arte.

El Arte de ALFREDO ENGUIX

2007-11-27T06:44:00.000-08:00

Alfredo Enguix nace en Madrid en 1930 y empieza a trabajar profesionalmente. En 1957 se establece en Oviedo a donde llega con un contrato de trabajo. Desde su primera comparecencia pública individualmente (Oviedo 1959) ha celebrado más de medio centenar de exposiciones individuales en las principales poblaciones de España y otras en colectivas en Suiza, Bélgica, Francia Holanda y Estados Unidos. En México ha celebrado cuatro exposiciones individuales monográficas en torno al tema hípico. Como pintor de temas ecuestres ha conseguido un reconocimiento internacional, y como retratista (la otra de sus dos facetas más importantes) han posado para él multitud de personalidades del mundo financiero, empresarial y político. Ha realizado, entre otros, retratos de S.A.R. la Infanta Dª Elena de Borbón, el Príncipe de Asturias y S.M. el Rey D. Juan Carlos I, a quien ha retratado en catorce ocasiones por encargo de diversos estamentos oficiales. Ha realizado una Galería de más de una veintena de retratos de los expresidentes de la Diputación de Madrid que le ocupó más de dos años (1977 a 1979 ). En 1.988 recibe el encargo de pintar un retrato ecuestre del Príncipe Heredero de Arabia Saudí. Viaja a este país invitado por la Familia Real y realiza otros retratos del Príncipe Heredero, de S.A.R el Sultán Bin Abdulhaziz y otras personalidades sauditas. Es de nuevo invitado para un nuevo viaje que no se llega a realizar por causa del conflicto del Golfo Pérsico. En 1977 el Excmo. Ayuntamiento de Oviedo le dedica una exposición Antológica en el Centro de Arte Moderno Ciudad de Oviedo (CAMCO). En los siguientes años viaja en varias ocasiones a Puerto Rico con el fin de pintar una serie de retratos de personalidades de aquella isla.En 1998 expone en Oviedo y en el 2000 en Madrid, y de nuevo en Oviedo. En diciembre de 2006 celebra en el Centro Asturiano de Oviedo, una exposición de despedida (en cuanto a exhibiciones individuales se refiere) con sesenta obras y con un gran éxito de público. Desde entonces trabaja en su estudio de Gijón atendiendo principalmente encargos. En los años 2005 y 2006 participa en Lexington, KY y Denver Cl en varias exposiciones colectivas invitado por la American Academy of Equine Arts. Es seleccionado e invitado a participar en una exposición organizada por la AAEA y la Cross Gate Gallery titulada "Master of foxhound" con motivo del centenario de la Asociación Norteamericana del mismo nombre y que recorrerá (desde enero a noviembre de 2007) varios estados de USA y Canadá. En Enero de 2007 es nombrado miembro (asociado) de la AAEA, siendo el primer pintor español que obtiene éste honor.
Extractos de Críticas (con nombre del autor, fecha y nombre de la publicación)
Alfredo Enguix se muestra con un dominio absoluto sobre el caballo. El conocimientosobre la figura, su anatomia, sus caracteriologias típicas de cada raza, son plasmadas con el pincel o con el carbón, con un gran alarde de precisión y maestría. Los lienzos de Enguix son auténticos retratos de caballos. "Urbano" (La Voz del Sur.-Jerez de la Frontera ) 3-5-1.972
Enguix está dentro de la pura línea clásica de nuestros dias. Después del largo - acaso penoso- desconcierto de ciertos pintores y determinadas escuelas, parece que el mundo de la pintura se ha serenado y camina de nuevo por sendas de marcado clasicismo; los temas de Enguix son clásicos dentro de la pintura universal y muy concretamente dentro de la pintura española. Pero son los caballos el centro y el cosmos de este infatigable pintor. Victor Alperi (Región.-Oviedo) 2-7-1.972
La maestría dibujística de Alfredo Enguix se funde en una escala cromática inteligentemente atemperada. No esperemos de Enguix estridencias o salidas de tono. Es un pintor responsable, sereno, paciente. Sus retratos, algunos en especial, poseen auténtico valor artístico. ¿Y qué decir de sus caballos? El conocimiento de Enguix en la materia es indiscutible. Y por ello logra cuadros de un encanto inglés. Recuerda uno, ante los óleos de caballos de Enguix, aquella pintura británica que señaló una singular época en el arte. José Antonio Cepeda (Región.-Oviedo) 12-6-1.975
Para Enguix lo fundamental es la figura central, protagonista absoluta, a la que dedica todo el esfuerzo de su técnica pictórica, sin que el fondo o lo accesorio distraigan en lo más mínimo la atención del espectador hacia ese motivo central...
.Enguix con una pincelada hábil y profesional, imprime a sus caballos y otros temas la personalidad inconfundible del buen hacer pictórico, demostrándonos así que no es un aficionado a los caballos que le gusta pintar, sino un pintor al que le gustan los caballos . J. A. Melero Ginzo (La Gaceta del Arte.- Madrid) 30-11-1.975
La pintura de Enguix no necesita ningún escoliasta que la traduzca a lenguaje. Es clara, verídica hasta los más exigentes extremos, cálida y jugosa. Es una pintura que se explica por si misma, de una manera normal, sin forzamiento de términos, sin la necesidad de meter la mano en la llaga para alcanzar el privilegio de creer..
Victoriano Cremer (El Diario de León) 24-4 1.977
Alfredo Enguix sabe expresar, a través de un lenguaje tan personal como exquisito, el verdadero ambiente de los caballos. Enguix nos ofrece una visión personal en este sentido. Ese toque de color justo y preciso; la arrogancia y gallardia de sus caballos; la belleza matizada y serena de sus paisajes; la fineza de sus cielos...
Pachi Romero (CINCO DIAS .- Madrid) 15-10 1.983
Alfredo Enguix pertenece a esa infrecuente categoría de pintores "animalistas", especialidad difícil y admirable dentro de cuantos toman la naturaleza por modelo.
. Y lo mismo puede decirse de otros temas, tanbién gratos al pintor: Enguix es un gran paisajista y notable autor de retratos.
.Con una pintura realista sin exceso, un color medido, un dibujo fiel. Enguix está dentro de la noble tradición animalista universal.
Javier Rubio ( ABC.- Madrid ) 16-10- 1.983
ALFREDO ENGUIX de sus especialidades y personalidad
No son sólo los caballos los temas que Alfredo Enguix ha llevado a sus lienzos aunque estos hayan acaparado la atención del público por el rigor y el empeño que el pintor ha puesto de esta temática, abierta al campo, a las carreras, al público agrupado en multitudes, temas aptos para la experiencia de la pintura envuelta siempre en formas y luces, sobre todo en luces. Alfredo Enguix es un maestro del tratamiento y captación de la luz, tanto en los casos del campo abierto a panorámicas amplias como en esos otros casos de bosques, ciudades o escenarios más recortados y reducidos. Para el pintor la luz es la entraña misma de las formas y esto es una constante en los temas ecuestres como en otros asuntos y hasta en los retratos. Su preciso dibujo, de perfecta estructura lineal, se entrega a la luz ambiental que incide sobre las cosas que pinta, sobre todas las cosas que pinta.
Lo que llama la atención en estos temas ecuestres es el conocimiento que el artista demuestra del animal, de su nobleza, de su inquietud, de su dinámica, de su fuerza, de su poderio.y podríamos seguir porque el caballo y su mundo tiene de todo eso y más.
Los no entendidos en el mundo del caballo hallamos en la obra de Alfredo Enguix una especial comunicación de esos ambientes de los que hemos recibido alguna contemplación espectacular, pero los entendidos valoran más profundamente las fidelidades formales y de actitud del animal ofrecidas por el pintor en sus cuadros. A este respecto Enguix cuenta con repetidos pronunciamientos sobre su obra de Alvaro Domecq y Diez que, entre otros comentarios a la producción plástica ecuestre de Enguix, escribió:
" yo diría que Alfredo Enguix tiene una fusta en sus pinceles para darle vigor a su pintura, incluso cuando el caballo está en reposo" . Y es que el caballo en reposo pronuncia su vigor, su cansancio, su fuerza contenida, y el artista ha vivido esos momentos y actitudes del noble animal, lo refleja en sus instantáneas que parece están dotadas, a la vez, de movilidad.
Con ser muy importante la obra ecuestre de Alfredo Enguix, no es el único tema tratadp por el artista. Sus retratos, por ejemplo, son también de gran valor aunque hayan tenido menos eco público. Su pericia en la captación de ámbitos psicológicos es nota sobresaliente en sus semblanzas de personajes como S.M. el Rey de España, el Príncipe de Asturias, la Infanta Elena, entre otros.
Francisco Prados de la Plaza ( GOYA - Revista de Arte.- Madrid) Febrero de 1.992

TITULO: Burritos
TÉCNICA: Óleo sobre tabla
DIMENSIONES: 27x35

TITULO: Saliendo de toriles
TÉCNICA: Óleo sobre tabla

DIMENSIONES: 27x35

TITULO: Vicos
TÉCNICA: Óleo sobre

TABLA DIMENSIONES: 35x27

TITULO: Hotel Plaza
N.Y. TÉCNICA: Óleo sobre tabla

DIMENSIONES: 60x53

TITULO: Army Place NY

TÉCNICA: Óleo sobre lienzo

DIMENSIONES: 61x46

Buenos Aires fileteada

2007-11-20T06:23:00.000-08:00

escrito por Carlos Bracuto
miércoles, 22 de febrero de 2006
Así suele pasar; uno no sabe de donde salió eso que tenemos en frente de nuestras narices, pero ahí está. Y cuando tomamos conciencia de su existencia, cuando comenzamos a verlo, nos damos cuenta de que no sólo lo tenemos aquí enfrente, sino que además está por todas partes.
“Cambio suegra por yarará; pago diferencia”
Una nueva vieja estética está cambiando la cara de Buenos Aires; las paredes de las casas del barrio del Abasto, los carteles y fachadas de los bares de San Telmo y La Boca, las tanguerías de Montserrat, Boedo y el microcentro han tomado una nueva forma, y sobre todo, un nuevo color. Nunca antes -supongo que desde la década del ’30- la cara de Gardel, con o sin sombrero, estuvo tan presente en la ciudad. Los colores celeste y blanco, que hasta hace poco se veían sólo cuando jugaba la selección y se olvidaban hasta el próximo partido, aparecen ahora enroscados alrededor de un asta terminado en punta de flecha, o en un pergamino a medio abrir, o en una cinta entrelazada a dos hojas de acanto de las cuales a veces surgen amenazantes dos enfurecidos dragones. La ciudad está siendo “fileteada”.
Los orígenes del fileteado porteño son difusos. Se sabe que nació como arte decorativo –mucho más elemental y específico que el actual- en las fábricas de carros a comienzos del siglo pasado. Pero ¿De dónde viene? ¿Quiénes fueron sus precursores? ¿Quiénes modelaron su iconografía? ¿Quiénes le dieron su inconfundible personalidad? Muchos mencionan que un arte similar se empleaba para decorar los carros en Sicilia, y que fueron los inmigrantes italianos quienes habrían reflotado esta técnica en el nuevo mundo, adaptándola a la realidad y gusto porteños. Sin embargo, en su libro Los Maestros Fileteadores de Buenos Aires, Esther Barugel y Nicolás Rubió (quienes en 1970 realizaron la primera exposición de fileteado porteño en la galería Wildenstein, por ese entonces en la calle Florida) consideran que aquel era un arte diferente, netamente religioso “de talla policromada que derivaría de la carroza o el altar renacentista”, mientras que el fileteado porteño es “esencialmente decorativo” y de temática “a la vez religiosa y pagana”. Sea como sea, basta prestar atención a los nombres que mencionamos a continuación para reconocer que es innegable la influencia de los inmigrantes del sur de Italia en el nacimiento del fileteado en Buenos Aires.Los primeros fileteadores eran meros “trabajadores del pincel”; no firmaban sus obras porque su arte no era ni más ni menos importante que el del herrero o los pintores de liso. Sí tenían una responsabilidad ineludible: terminar rápido su trabajo. Dado que el suyo era uno de los últimos toques que se le daba a un carro o a una carrocería, todos los demás trabajadores deseaban que finalice para poder cobrar cuanto antes. A pesar de la sencillez con que el fileteador encaraba su labor, algunos reportes indican que en las fábricas de carrocerías se lo solía tratar con cierta preferencia y veneración.En cuanto a nombres se refiere, los italianos Vicente Brunetti y Cecilio Pascarella parecen ser los pilares del fileteado tal como hoy se lo conoce. Brunetti habría sido quien comenzó a usar los vivos colores típicos del filete y el relleno de los chanfles en las carrocerías; a Pascarella se le atribuye la introducción del “Yapán” (barniz con un mínimo toque de pintura) que se usa para pintar las sombras y darle así al filete su característico volumen. Además se lo considera un pionero en el uso de las frases con las que el dueño del carro solía comunicarle al mundo sus esperanzas, desvelos, agradecimientos o amores. Según el maestro León Untroib, Pascarella fue el primero en firmar sus filetes, aunque sólo con su nombre, Cecilio. También se menciona a Salvador Venturo y a su hijo Miguel, este último fundamental en la evolución del filete al incorporar buena parte de los motivos (dragones, pájaros, hojas de acanto, flores...) que hoy forman parte integral de este arte popular argentino. Es interesante remarcar que muchos de los elementos ornamentales que utilizaron los primeros fileteadores –las hojas de acanto, floreros y los motivos animales, en particular- los copiaron de las decoraciones empotradas en los edificios de la ciudad, como así también de las mayólicas de las paredes del subte. Asimismo, encontraron en los billetes que emitía el Banco Central los modelos necesarios para dibujar marcos, “firuletes” y letras, particularmente las de estilo gótico.
A través de la historia, el fileteador debió adaptar su arte a los cambios impuestos por la modernización del transporte, las nuevas demandas de sus empleadores y hasta la censura oficial. Gradualmente, la tracción a sangre fue siendo reemplazada por el camión; en la década del ‘20, por otra parte, hace su debut en las calles porteñas el colectivo. El fileteador se encontró así no sólo con otro material de soporte (lo que, como explica el maestro Ricardo Gómez más adelante en Las Entrevistas del Mes, le daba otro “feeling” a su tarea), sino además con otra dinámica de trabajo.Con las nuevas fábricas de carrocerías (La Veneta, la Lucchese, Carassai, Crotti...) comenzó a destacarse entonces una nueva camada de fileteadores que hoy permanecen en la historia del fileteado porteño: Andrés Vogliotti, Carlos Carboni, León Untroib, Enrique Arce, el recién mencionado Ricardo Gómez y muchos otros. Al promediar la década del ’70, el fileteador debió enfrentar el cierre de una importante fuente de trabajo, cuando la Secretaría de Transportes de la Nación reglamentó la absurda resolución que prohibía en los colectivos “el pintado de insignias, adornos, arabescos y otros elementos decorativos, tanto en el interior como en el exterior de la carrocería, salvo el distintivo propio de la empresa”. Los funcionarios argumentaban que el filete confundía al usuario, impidiéndole distinguir con claridad las particularidades de cada línea. Aún hoy, cuando los colectivos circulan casi camuflados por la publicidad de cigarrillos, películas de cine o programas de TV, esa vetusta resolución sigue vigente.
El próximo gran paso en la evolución del fileteado lo darían aquellos que llevaron el filete del galpón a las galerías de arte, como Martiniano Arce (hermano de Enrique), Luis Zorz y más aquí en el tiempo Jorge Muscia, José Espinosa, Adrián Clara y Alfredo Genovese, entre otros. Discípulo de Ricardo Gómez, Genovese es uno de los máximos responsables de la renovada popularidad del fileteado en Buenos Aires, al incorporar sus trabajos a la publicidad, el diseño y la pintura corporal. También han jugado un importante papel en la divulgación de este oficio y arte popular aquellos jóvenes que como Freddy Fernández o Elvio Gervasi llevaron el filete a los carteles, murales y todo cuanto pueda pintarse en las calles de la ciudad.Muchos de los fileteadores actuales se han iniciado como letristas; otros incursionaron en el filete luego de estudiar otros estilos de bellas artes en academias y escuelas. Hoy todos firman sus obras y tratan de establecer un estilo propio, dentro (y a veces incluso por fuera) de la limitada estructura del filete.En la era del plotter, el fileteador reivindica los pinceles Carnevale para pintar carteles, vehículos o muebles. Opuesto a lo serial y veloz, el fileteador se dedica, como hace un siglo, a un arte manual que exige pulso y tiempo. Cuando la globalización de la cultura impone la estética y costumbre europeo-norteamericana sobre el resto del mundo, el fileteador regresa a las fábricas de carros para ver cómo es eso de las hojas de acanto y los dragones, la cara sonriente de Gardel, la Virgen de Luján y la cinta con los colores de la bandera argentina enroscándose por ahí.
ICONOS: De Gardel a la Mona JiménezDentro del panteón de íconos populares argentinos, los más celebrados por el fileteador han sido tradicionalmente Carlos Gardel y la Virgen de Luján; hoy en día no es raro ver enmarcados en el centro de un filete los rostros de personajes como Evita y el Che Guevara, o incluso otros más actuales como Maradona, Charly García y hasta la Mona Jiménez. Todos identificados con lo popular, lo masivo, la clase trabajadora, el barrio... La intelectualidad, los hombres de ciencia y de las bellas artes son por lo general ignorados: es raro ver a Borges, a Cortázar, a Leloir o a Quinquela Martín homenajeados en un filete. Curiosamente, a pesar del carácter patriótico que suele tener el filete, también son pocos los próceres que han sido retratados, más allá de San Martín o Belgrano. Quizás por razones de “marketing” -los turistas, sobre todo los del hemisferio norte, compran todo lo que tenga la palabra “tango” estampada en el producto- el motivo más frecuentemente usado hoy en día es la pareja bailando tango, seguida por el bandoneón y algún que otro músico como Piazzolla o Troilo. También son comunes los carteles con inscripciones como “Baño”, “Un aplauso p’al asador”, “Se ruega no joder”, o “Buenos Aires, Argentina”.
MOTIVOS: De todo, como en bazar de turco Quizás sean las hojas de acanto el elemento más común de todo filete, y sobre las cuales el pintor suele innovar más. De hecho, hoy en día es posible en muchos casos reconocer al autor de un filete por el estilo de sus hojas de acanto.Según declaró alguna vez el maestro León Untroib, estos motivos han sido copiados de los que remataban las columnas corintias, muy populares en las grandes construcciones de la Grecia antigua, sobre todo en el período Helenístico. Hoy pueden observarse rodeando escudos y rostros animales en los empotrados decorativos de muchos de los edificios antiguos de la ciudad. Las hojas de acanto, pintadas por lo general en tonos de naranja, amarillo o marrón, suelen ser uno de los motivos más gruesos de la composición, y por lo tanto se ubican a los costados, como conteniendo el resto de los elementos. Otro motivo infaltable son las flores, hoy de características muy variadas, aunque las tradicionales son las de cuatro o cinco pétalos, las campanitas, amapolas y tulipas.Los colores de la bandera argentina suelen pintarse en moños y cintas, que se enroscan alrededor de la base de las hojas de acanto, astas, floreros o marcos.Pájaros, dragones y caballos son los animales que suelen verse entreverados en el filete; en la mayoría de los casos, los dragones surgen encolerizados de las entrañas de las hojas de acanto, como si fueran un brote más de la planta, por lo que sólo suele pintarse la parte superior del cuerpo (cuello y cabeza, y a veces sus alas). Lo mismo sucede con los caballos, aunque estos presentan un aspecto más calmo y amigable. Los pájaros, en cambio, suelen pintarse de cuerpo entero, por lo general reposando sobre una rama o picoteando una flor con las alas extendidas. Dado que en el filete los espacios libres se reducen a un mínimo, la composición se completa con espirales o filigranas, y se decora con diamantes, bolitas y botones u otros objetos similares. Además suele rodearse por una “banda” o línea gruesa, que se pinta por dentro del borde exterior o marco.Por supuesto, esta es sólo una descripción generalizada de la composición del filete, ya que la misma varía notablemente de acuerdo al medio sobre el que se pinta y el propósito del trabajo.
FRASES: Sencillo, pero vistosoDesde sus mismos comienzos, las frases catalogadas como de sabiduría popular formaron parte del filete. Según Untroib, posiblemente tenían origen en los versos para cantar “flor” en el truco. En un principio, aludían principalmente a las recompensas del trabajo duro y la vida honesta (“Miralo de arriba a abajo, lo gané con mi trabajo”), las ironías del destino (“De nada sirve llorar cuando la suerte se inclina”), el amor maternal (“En el jardín de la vida, la mejor flor es mi vieja”) y la protección divina (“Virgencita de Luján, guía mi camino”). Tampoco faltaban los mensajes machistas (“Se doman suegras a domicilio”), los picarescos (“Lo hice con ruedas bajitas pa’ que suban las gorditas”) y los abiertamente humorísticos (“Me cortaron pa’ bacán y se olvidaron de coserme”). Sobran ejemplos, por otra parte, para demostrar que muchos privilegiaban los encantos de la rima o la mordacidad artera por sobre la ortografía (“Con mi colorado boy y bengo, y a naides enbidia le tengo” o “Si no tenés bosina tocame el pito”).Es notable que -suponemos que por razones de autopreservación- nunca se hayan usado leyendas de carácter político, y mucho menos acusado a un mal gobierno por atravesar una situación adversa. Las penas propias siempre se le han atribuido a una mala jugada del destino, al justo castigo de Dios, o como consecuencia lógica de un comportamiento inmoral, cuando no a la siempre perversa intervención de una suegra.

PINCEL Y PINTURA: Carnevale los hace a manoEl fileteador trabaja con lo que se conoce como pincel de letrista. Este se compone de un mango de madera y una virola de metal que sujeta las cerdas de pelo de oreja vacuna. La particularidad del pelo de este tipo de pincel, cuyo fabricante más famoso es Rolando Carnevale, es la de medir hasta casi 5 cm. de largo. Esto obliga al pintor a manejar el pincel de una manera diferente al que normalmente se usa para la pintura al óleo o acrílica.Los pinceles pueden ser de punta redonda o chata, éstos últimos ideales para pintar los bordes rectos de las letras y bandas.Para trazar las usualmente numerosas finas y largas líneas rectas, como así también para pintar las “llaves” (tradicionales adornos que suelen verse en los colectivos) se usan las bandas. Estas podrían definirse como pinceles sin mango, ya que constan sólo de la virola y las cerdas.En cuanto a la pintura, la más usada ha sido siempre el esmalte sintético: brillante, barata y fácil de conseguir. Por otra parte, gracias a su resistencia a las influencias del clima (sol, lluvia, excesivo calor o frío...) el esmalte sintético era ideal para filetear carros y camiones y toda superficie exterior. Por esa misma razón se la usa aún hoy para pintar carteles, vehículos y fachadas.
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JORGE MUSCIA, fileteados porteños.

2007-11-18T16:28:00.000-08:00

Jorge Muscia es en la actualidad uno de los más destacados herederos de esta tradición.

Durante más de 25 años, Muscia ha realizado una amplia investigación de diversos estilos de artes populares, en viajes por Italia, España, Francia, Inglaterra y México. Interesándose también por la cultura de la inmigración y los procesos de creación de la identidad y el imaginario de Buenos Aires.Cursó estudios de pintura y escultura en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes, perfeccionándose en filete porteño con el maestro León Untroib.La estrecha relación que une al filete con el tango, lo llevó a colaborar en diversos proyectos donde se complementan ambas artes, integrando el arte del filete a la escenografía, el vídeo, la televisión y la decoración en arquitectura, muebles y objetos. En el terreno de la plástica ha realizado muestras individuales y colectivas en Argentina y desde hace 17 años, con auspicio de Cancillería argentina, expone su obra en galerías de arte y centros culturales de Europa -Londres, Berlín, Barcelona, Toulouse, etc.- y también en México y U.S.A., hecho que ha contribuido a la jerarquización del filete como expresión artística.

Contacto: Tel. [+5411] 4361-5942

mailto:jorge@muscia.com

Trabajando en cartel de 6 x 4 mts

2007-11-17T17:26:00.000-08:00

Aquí subo mas imagenes mientras pinto cartel.

Fileteado

2007-11-17T14:13:00.000-08:00

Este es un trabajo realizado por mí, Raúl Meyer. El soporte es de harboard, mide 80 x 60 cm. y la técnica es mixta, el fileteado está hecho con esmalte sintético, el retrato de Gardel al lapiz y terminado a la laca.

Cartel de 6 x 4 mts

2007-11-17T13:47:00.000-08:00

Este es un cartel de 6 x 4 mts, en el cual estoy trabajando cuando lo termine subo otra imagen.